I oktober hade HBO premiär för kortfilmen Tokyo Project från författare och regissör Richard Shepard, som var en frekvent regissör på premiumkanalens nyligen avslutade Girls. För de som har sett det, antingen när det sändes, eller strömmade det på något av HBO: s olika streamingalternativ, kanske du har varit förvånad över att se den senaste Emmy-vinnaren av The Handmaid's Tale Elisabeth Moss i huvudrollen mot tidigare flickor och framtida co-stjärnan Punisher Ebon Moss-Bachrach som ett par amerikaner i Japan stöter upprepade gånger på varandra i en serie kanske inte så slumpmässiga möten.
På bara 30 minuter långt är Tokyo Project en snabb och värdefull klocka som delvis på grund av dess plats och melankoliska berättelse tyder på Sophia Coppolas Lost in Translation. Filmen centrerar på Sebastian (Moss-Bachrach), som reser utomlands i affärer, och vars chans möter en kvinna som heter Claire (Moss), först i en ramen-butik och igen utanför en bar, avslöjas vara en del av något mycket Mer. Genom att avslöja den dolda förbindelsen mellan dem, utforskar filmen staden Tokyo lika mycket som den gör mysteriet för de två lederna, vilket resulterar i en romantisk koppling med en twist.
Relaterat: Hulu är första strömningstjänsten för att vinna framstående Drama Series Emmy
Shepard, som förutom sitt arbete på Girls är en Emmy-vinnare för att regissera Ugly Betty och också har skrivit och regisserat 2005 Pierce Brosnan hitman-filmen The Matador, och den Jude Law-ledda Dom Hemingway 2013. Filmskaparen talade nyligen med Screen Rant om Tokyo Project och hur Lena Dunham hjälpte till att landa Moss för en huvudroll.
Berätta lite om hur Tokyo Project kom till. När började du skriva det och hur snart efter kom projektet på plats?
Det var ett antal skäl till att jag ville göra filmen. Jag ville slags skjuta något i Tokyo och jag ville skriva en kärlekshistoria. Jag kände att om jag skrev en kortfilm att möjligheten att faktiskt bara göra den snabbt skulle vara mycket mer trolig än en funktion som alltid tar mycket längre tid. Jag skrev det och det hällde bara ut ur mig. Det var en historia som jag ville berätta, och jag var mycket specifik om Tokyo och platser som jag ville filma på och vad jag ville visa.
Jag bad Lena Dunham titta på manuset och ge mig några anteckningar och det gjorde hon. Sedan sa hon: "Vem vill du vara med i filmen?" och jag sa: "Jag skulle älska Elisabeth Moss att göra det." Lena var som "Låt oss ringa henne, " - eftersom jag antar att när du är berömd kan du bara ringa andra kända människor och de svarar på dina telefonsamtal. Så Lena ringde Lizzie och hon läste den över natten och älskade den. Be en skådespelare att ha ett engagemang på en vecka är mycket lättare än att ta två månader eller tre månader för att göra en film. Så Lizzie hade ett fönster av möjligheter och det hände supersnabbt. Jag använde i princip en restcheck för att betala för flygbiljetter och fick en gratis kamera och gratis redigering, och bad mina vänner arbeta med den och verkligen bara närmade sig den som en studentfilm.
Hur skulle du jämföra Tokyo Project med något som Panic i Central Park, som var ett ganska fristående avsnitt av Girls? Tycker du att du närmar dig dessa projekt på samma sätt?
Vi sköt det hela på fem dagar. Vi började på en måndag och slutade på en fredag. Vi sköt ett skott på flygplatsen på lördagen den dagen vi alla tog oss på planet för att åka hem. Men till skillnad från en tv-serie hade vi för det första egentligen inga pengar alls. Vi hade en budget på 1 000 USD för plats och $ 1 000 för konstavdelningen. Det var ett mycket, väldigt litet företag bestående av 12 personer. Vi kunde vara väldigt intima. Ibland var det bara jag Lizzie, Ebon och kameramannen i ett rum tillsammans. Så både skapandet av filmen och inspelningen av den bildade en intimitet som jag tror kommer igenom i berättelsen.
När du skriver något liknande, hur ofta måste du kontrollera dig själv för att se till att du inte går för långt med skildringen av sorg, så att historien inte välter i maudlinen?
Det är alltid en utmaning att kartlägga det som en berättelse. Om du ger för mycket bort eller balansen går för mycket en eller annan väg, kan du förlora publiken. Jag ville att människor skulle bli fascinerade av den här historien och det faktum att det fanns mer än kanske de såg, men inte heller ge bort allt. En del av idén är att vi träffar Ebon och det är tydligt att han har genomgått någon form av personlig tragedi som vi också lär oss är förlusten av ett barn, men han hanterar det på ett sätt som den här resan är en paus för att äntligen återställa sig själv. Vilket är det jag var intresserad av att göra, jag var inte intresserad av de första månaderna av en tragedi. Du kan verkligen uppfinna dig själv när du reser och ser dig själv på ett annat sätt. Du kan nästan vara en bättre version av dig själv.
Stora delar av den här filmen är rent visuell berättelse. Vilken typ av utmaning presenterar det dig som filmare? Hur mycket måste du bara släppa och ge efter för skådespelarens framträdande?
I slutändan, när en skådespelare bebor en karaktär tar de den bort från dig och du är där för att hjälpa dem. Men de leder vägen. Lizzie är en av de mycket sällsynta skådespelarna som kan berätta en historia precis som hon ser ut, bara med ögonen; du kan förstå vad hon tänker. Det är en mycket sällsynt gåva. Du kan vanligtvis förstå när en skådespelare är glad eller ledsen eller vad deras känslor är, men när du ser en verklig omvandling och tankeprocess i ögonen är det en sällsynt sak som bara de bästa skådespelarna har. Och det gör hon. Du kan faktiskt titta på henne och se vad hon tänker. Det är en otrolig gåva hon har, och på ett sätt låter det några av mysterierna spela ut. Du tittar på det en gång och ser att hon verkligen har att göra med alla andra saker som hennes karaktär går igenom.
Filmen är ganska öppen. Hur påverkar formatet på en kortfilm hur du når en slutsats så? Finns det mer frihet i hur du hanterar upplösning eftersom du arbetar på en kort i motsats till en film på 90 minuter eller två timmar?
Du har inte vikten eller trycket på två timmar av publikens åtagande som du sedan försöker slå in i en snygg båge eller inte. För mig slutar filmen på ett sorgligt sätt, men då erbjuder det också lite optimism. Det ger denna idé att livet är fullt av många kapitel och det betyder inte att när du har stängt ett kapitel att du inte kan återvända till det på något sätt. Och jag ville inte ha ett lyckligt slut med citat, men jag gillade karaktärerna och jag var bara på att rota åt dem. Jag hade inte slutet när jag först skrev det; Jag slutade liksom det på en sorgligare anteckning. Men den slutliga typen kom till mig när jag lade in filmen och jag trodde att det skulle vara en intressant twist och också ett sätt att signalera att du inte bara kan ta nederlag, att du kan försöka skriva om ditt liv om möjligt och varför inte försöka skriva om ditt liv? Så det var en slags avsikt med det. Jag var verkligen nöjd med det. Det känns tjänat.
Tokyo-projektet är för närvarande tillgängligt på HBO GO och HBO Now.
Foton: HBO
