Vad gäller kriminaldrama, vad ansluter oss först? Kan det vara personligheterna hos dem vi tittar på löser dessa fall? Inte alla är de torra, studious typer som inte kan injicera lite stil i förfarandet - men man måste alltid vara säker på att jobbet är en framgång. Eller kan det vara själva utredningarna? Var och en kommer säkert att ha några vändningar, särskilt för populära berättelser. Vi förpackas i varje nytt bly, röd sill och eventuellt nya offer, och förhoppningsvis leder det till en tillfredsställande slutsats.
Från den rökiga film noir-salongen på 1940-talet till mordmysterierna både sakliga och fiktiva har massor av detektivhistorier satt sitt prägel på bio. Oavsett om det är en karismatisk ledning, en slingrande berättelse eller båda, dessa 20 funktioner är bara en liten bråkdel av denna fantastiska genre, även om de representerar det bästa av de bästa. Här är Screen Rants tag på de 20 bästa detektivfilmerna genom tiderna.
20 The Girl with the Dragon Tattoo (2011)
Få detektivhistorier är lika brutalt avvikande som Stieg Larssons "The Girl with the Dragon Tattoo", och av den anledningen var det kanske mer än lämpligt att David Fincher styrde den engelska anpassningen. Det material som tillhandahålls till Fincher är dyster, vilket han verkligen inte är en främling av, och den vision som han tillhandahåller i tidigare ansträngningar (som vi kommer att få till inom kort) matchar på lämpligt sätt tonens roman och dess inställning.
Naturligtvis är det ganska lätt att notera Rooney Maras fantastiskt engagerade skildring av utredaren Lisbeth Salander, och hon lyser genom Finchers typiskt trista atmosfär. Men kanske det som sticker ut mest är Finchers snabba takt. Hans film kan vara lite mer än två och en halv timme lång, men riktningen för de flesta detektivfiktion, verkar det, är mer säker och akademiskt genomförd. I det här fallet guidar Fincher skickligt sin publik genom historiens snodiga berättelse snabbt nog för att hålla dem underhållna, och ändå visar återhållsamhet när det gäller nyckeldetaljer.
19 Dirty Harry (1971)
Om du tänker på det finns det inte många urskiljbara egenskaper som skiljer Clint Eastwoods Harry Callahan från hans 'Man with No Name' i Sergio Leones Dollars-trilogi; bara handla i västerländska plagget och en vanlig sex-skjutare för kostymer och en.44 Magnum som kan blåsa huvudet rent av. Till och med i den slutliga shootouten med Scorpio har de förfallna strukturerna och ökenbergen en slående likhet med något av de platser Eastwood skulle ha varit bekant med i mitten av 60-talet.
Eastwoods Dirty Harry är dock den fulländade stoiska tuffa killen; det är en rutin, men ingenting är att visa och hans oortodoxa metoder är äkta. Eastwood spelar honom enkelt, och hans beteende och sätt är enkla, och ändå förblir karaktären påfallande gåtfull. Det borde inte vara konstigt att filmen förvandlades till en franchise, som lekar fyra uppföljare som spänner över den bättre delen av två decennier. Den enda olyckliga aspekten av filmens historia har varit en epidemi av felaktiga linjer.
18 The Thin Man (1934)
I en lista blandad med arketypiska och okonventionella personligheter befinner sig dessa två detektiv Charles, Nick (William Powell) och Nora (Myrna Loy) som sträcker sig över linjen mellan båda. Å ena sidan illustrerar de båda, särskilt Nick, hur en karismatisk Hollywood-skådespelare ska presentera sig själv. Liksom många skådespelare i hans era är Powells Charles lugn, cool, samlad och bär en tyst myndighet som kan bringas till hög volym - att bli fysisk - när det behövs. Å andra sidan är dessa två humoristiska och vittiga nog att förråda dessa konventioner och stå på sina egna. Dessutom är de avslappnade berusare, men eftersom det var Hays Code Hollywood så ser det klassiskt ut.
Det avgörande ögonblicket för varje mordmysterium är den stora avslöjan, och den klimatiska middagsscenen i The Thin Man har en spänd, långsam byggnad för att avslöja den verkliga mördarens identitet. De misstänkta folkmassar på bordet, och kameran rör sig fram och tillbaka mellan var och en av dem och Nick när han noggrant kör igenom händelserna som påverkar dem alla. Vem som helst kan vara den riktiga mördaren, och när den avslöjan görs är den mest tillfredsställande.
17 sömnlöshet (2002)
Christopher Nola har gett sig ett rykte för sin unika vision, särskilt när det gäller sina projekt utanför sin Dark Knight-trilogi. Av den anledningen går han med David Fincher som regissör med flera filmer på den här listan, och det börjar med filmen som fick honom Batman Begins: Insomnia.
Många filmer på denna lista skiljer sig åt på ett eller annat sätt, men sömnlöshet är särskilt unikt på ett sätt. Som vi kommer att skilja, skiljer den sig inte från resten bara på grund av dess psykologiska natur - även om de flesta andra filmer här inte kan skryta med sådana egenskaper - utan snarare på grund av sin huvudpersons moraliska tvetydighet. Med tanke på några av de andra detektiverna som ingår här, är detektiv Will Dormer (Al Pacino) ingen helgon, även om hans karaktär inte hittar inlösen i slutakterna. Ännu ändå önskar vi desperat att han ska hitta tillbaka till höger sida av lagen tack vare ett starkt framträdande från Robin Williams som Walter Finch, huvudantagonisten.
16 Who Framed Roger Rabbit (1988)
Roger Rabbit är potentiellt en av de sista fiktiva talande däggdjur som någon skulle förvänta sig att begå ett brott med avsikt, och ändå befann han sig i centrum för en berättelse om "girighet, sex och mord", som Eddie Valiant (Bob Hoskins) uttrycker det. Med Who Framed Roger Rabbit skapade regissören Robert Zemekis och företaget en innovativ sammanslagning av live-action och animering som gav tittarna en konkret värld för sina favoritkaraktärer, inklusive Mickey Mouse och Bugs Bunny. För att vara rättvis är filmen emellertid mycket mer intelligent än en om en animerad karaktär inramad för mord har någon rätt att vara.
Viktigare än någon sleuthing är karaktärbågen som involverar Valiant. Hoskins ger en beundransvärt spelprestanda med tanke på att de flesta av hans dialog talas på något som inte finns där, och som ett resultat är delplottet att hämna hans brors mord i händerna på en sadistisk ton så mycket mer påverkande. Med det sagt är det som är lika prisvärt filmens åtagande till mörka, till och med störande stunder att uttrycka mognad, med tanke på dess avsikt som familjefilm.
15 Kiss Kiss Bang Bang (2005)
Senast använde Shane Black Hollywoods märkliga historia på sjuttiotalet som en del av berättelsen i The Nice Guys, men med Kiss Kiss Bang Bang tänker han helt konventionell filmskapande och filmindustrikultur - samtidigt som han tillhandahöll ett anständigt mysterium på vägen. Mycket av fokuset här ligger på komedin, eftersom Harry (Robert Downey, Jr.) och Perry (Val Kilmer) spelar av varandra med en skruvboll som är en snygghet som gör dem till ett charmigt udda par.
Medan viss estetik och ämne inte kan fly från Black's satiriska penna, kommer hans kärleksbrev att ta på film noir som pastiche snarare än parodi, och hans tillgivenhet strålar med äkta panache. Det ibland kalla, stenblå visualerna är ett intressant, iögonfallande tag på vad man kan tolka som en cynisk atmosfär i film noir, så på detta sätt moderniseras konventionerna. Sammantaget, om du gillade The Nice Guys, kommer Kiss Kiss Bang Bang att vara värt din tid.
14 Zodiac (2007)
Zodiac-mördarens identitet är ett av USA: s största, mest spökande mysterier, precis som Jack the Ripper's identitet för England. Även ungefär som den sistnämnda filmen Från helvetet verkar David Finchers zodiaken ha sina egna idéer om vem som var den skyldige, även om fallet aldrig helt löses. Spekulation åt sidan kan Fincher hjälpa till att snurra ett bra garn, och tack vare James Vanderbilt manus som är baserad på Robert Graysmiths bok med samma namn är Zodiac ännu en film av hans på denna lista.
Spänningen i filmen är ofta underskattad, särskilt när Zodiac mördaren inte försöker göra hans närvaro känd. Men när hans ses och hörs på skärmen, spännar spänningen upp till en outhärdlig grad. Som om du inte kunde fördjupa dig mer i denna virvelvind är produktionsdesignen fantastisk och det visuella innehållet innehåller en något avmättad kvalitet som förbättrar tidens känsla.
13 Brick (2005)
Rian Johnsons indie-starlet Brick är en av de filmer som känns som en dröm. Det är inte drömlikt i visuell mening, utan snarare genom den dialog, karaktärisering och händelser som äger rum. För dem som föreställer sig själva som en detektivtyp av Humphrey Bogart är det hur Brendan Frye (Joseph Gordon-Levitt) bär sig i det som bara kan beskrivas som Johnsons fantastiska världsbild i gränserna till neo-noir-konventionen. Det är ett kärleksbrev som har lite av flyktigheten hos någon av klassikerna.
Men främst är det allt tack vare Gordon-Levitts lugna, säkra prestanda som en osannolik hjälte. Vad han saknar i kontrollen över saker hanterar han med självförtroende och uthållighet. Under scener som hans första interaktion med Dode (Noah Segan) eller till och med möten med biträdande rektor Trueman (Richard Roundtree) tar han omedelbart din uppmärksamhet med uppmätt övertygelse. Sedan finns det ögonblick som Dodes avrättning och Brendans sjuka reaktion på det, och även om det verkar som om verkligheten har gått in i veckan kommer han fortfarande ut från andra sidan samma fantasi.
12 LA Confidential (1997)
Film noir behöver inte den svagt upplysta, rökiga atmosfären, som hänvisas till tidigare eller lugnt svala detektiv som blir bland de snygga underlivet i samhället. Som LA Confidential påminde oss för nästan två decennier sedan, kan brutaliteten avmarkeras och våldet kan ha en sprudlande slag. Dessutom, med en genre som har gett oss hårdkokta privata ögon som Jack Nicholson i Chinatown eller någon av Humphrey Bogarts liknande personligheter under 40-talet, är det uppfriskande att se ett övertygande tag-team i form av Guy Pearce och Russell Crowe, båda av vilka var relativt okända vid utgivningen.
Liksom många en stor detektivhistoria är handlingen komplicerad och full av sidovillkor och färgglada karaktärer, och även om LA Confidentials material är ganska svårt, förblir det hypnotiskt i dess skildring av poliskorruption. Publiken i dag kan till och med finna att dess föreställningar av systemisk rasism och allmänna fördomar i rättssystemet är korrekt återspeglar dagens aktuella frågor.
11 Den tredje mannen (1949)
Ett stort beröm som många har gett Carol Reeds The Third Man är dess atmosfäriska filmbild, och hur kan det inte vara mot den härliga bakgrunden i Wien? Wien efter kriget verkar vara en rättvisande inställning för den halvtunna mentaliteten i glas som fyller all film noir. Omfånget är ambitiöst och lika stort som landskapet, men Reeds film är inte alltid atmosfärisk i traditionell mening av film noir. Filmfotografen Robert Krasker använder ofta dramatiska och kantade vinklar för att ge en känsla av obehag som är mer standard från genren.
Förutom vissa framstående föreställningar från en majoritet av huvudrollerna, inklusive Joseph Cotton, Orson Welles och Alida Valli, är Anton Karas poäng verkligen något speciellt. Först lyssnar verkar hans buldrande akustiska gitarr som inte överensstämmer med de spänningsstunder som det betyder att framhäva, men det hjälper effektivt filmens överväldigande ton genom att ställa frågorna i tittaren.
10 Chinatown (1974)
Det verkar vara mer moderniserade tolkningar av film noir - i det här fallet allt från New Hollywood-era till nutid - blev mer obehagligt när tiden gick och begränsningarna av vad som kunde och inte kunde visas på film lättas upp. Chinatown kanske inte är så brutalt våldsamma som de som skulle följa, men det behövde inte vara det. De flesta allt om filmen skriker obehag, vilket verkligen är ett långt ifrån bara cyniskt.
En rättvis del av det kommer från Jack Nicholsons skildring av privatdetektiv Jake Gittes, som kommer över som visar den kalla beräkningen av Guy Pearces Ed Exley i LA Confidential och en återuppringd version av Russell Crowe's medelstrim från hans Bud White i samma film. Men det mesta av otäckheten tillskrivs ämnet för incest, något som Hays Code-era i Hollywood skulle ha haft lite svårt att diskutera - de flesta hade inte vågat beröra den avslutande regissören Roman Polanski kunde uppnå här.
9 In the Night of the Night (1967)
Inte många filmer, eller människorna bakom dem, kunde ha varit lika modiga som In the Night of the Night. John Bells roman med samma namn var redan otroligt snabb, publicerad i medborgerliga rättighetsrörelserna, och släpptes bara två år därefter, och filmversionen var också så. Som ett resultat är filmen en av de viktigaste som kom ut på 60-talet, en tid då Hollywood borste av sin arkaiska moralstruktur.
Oavsett om det var i värmen om natten eller gissa vem som kommer till middag, så hittade Sidney Poitier sig alltid i mitten av dessa diskussioner, och med goda skäl. Hans makt och karisma som polisdetektiv Virgil Tibbs är fascinerande, speciellt när man konfronterar, muntligt och fysiskt, till många överraskning, rasism i Vita Amerika - som, för att vara rättvis, är en anständig majoritet av denna bild.
8 Blade Runner (1982)
Ridley Scotts Blade Runner har samtidigt förvirrat och fascinerat tittarna i några decennier nu, och det är något förståeligt att den första reaktionen på den inte var lika positiv som den är idag. Tidens gång medför nyare perspektiv och som ett resultat lyste nya ljus på filmens existentiella och filosofiska teman och dess utmärkande smak av neo-noir.
Liksom många av filmerna som ses här eller någon annanstans i genren bär Blade Runner sin cynism på ärmen och dess låga tangentbelysning ökar den tonen. Belysningen här är dock nyfiken, eftersom den tjänar mer än ett syfte. Ridleys vision om framtiden passar den post-apokalyptiska science fiction-propositionen perfekt, och den tunga användningen av chiaroscuro gör att filmens episka omfattning och skala verkar vara mer monolitisk och som ett resultat mer skrämmande, vilket kompletterar filmens riktigt otrevliga utseende så långt som material är berörda. Tvetydigheten i dess slut innehåller sin egen tyngd, filosofiskt sett, och känns också en mer korrekt upplösning för film noir.
7 Laura (1944)
Det har ofta talats om, men en kynisk syn är ett krav för film noir, men det är naturligtvis inte den enda. För Otto Premingers Laura är det emellertid inte uttryckligen så - åtminstone inte lika mycket som några av dess samtida. Pessimismen utvecklas verkligen när handlingen fortskrider och avslutas med en dyster avslutning, som många i sitt slag gör. Dess öppningsakt är nyfiken, eftersom karaktärerna kastas in i utredningen utan att publiken har någon kunskap om det brott som begåtts.
Dessutom känns tonen som en ordning, vilket är rimligt med tanke på att mycket av berättelsen i denna del berättas genom flashbacks. Den här typen av atmosfär verkar ganska antitetisk mot genrens konventioner, men efter Lauras slutsats omvandlas den till något mer lämpligt bekant. Avrundad av starka föreställningar från sin roll, framstår Laura som en av de ledande klassikerna i genren.
6 Memento (2000)
I Christopher Nolans Memento blomstrar den moraliska oklarhet som tidigare diskuterats med sömnlöshet i spader, och det är vad som först förde regissören i rampljuset. Dessutom gör vår huvudperson (Guy Pearces Leonard Shelby), anterograde amnesi detta tema desto mer besvärande. Men lika oroande som hans tillstånd är att han är en otillförlitlig huvudperson och berättare, gör hans resa så mycket mer fängslande.
Ytterligare hjälp av Nolans unika berättande struktur för att vända nutiden och spela det förflutna kronologiskt får publiken en distinkt bild av en mans psykologiska tillstånd. Och även om filmens känslomässigt laddade öppning kan befria honom för all oskyldighet, förblir vi fortfarande kopplade eftersom vi inser att det verkliga mysteriet inte är vem som våldtog och mördade sin fru, utan snarare hur han kom till filmens "finale". Det är en märklig neo-noir som försiktigt avlägsnar sin djupt sittande cynism under en skiftande berättelse snarare än att uttryckligen visa den genom visualiseringar och / eller karaktärisering.
För att undersöka sinnen, har 2-skivan Collector's Edition för Memento ett alternativ för tittaren att se filmen i omvänd riktning.
5 The Big Lebowski (1998)
Det är en neo-noir post-western-komedi-detektivhistoria, och det är helt mental - eller åtminstone Coen-bröderna var. Sedan det släpptes 1998 har The Big Lebowski underhållit universitetsstudenter och de narkotikasvårigheterna, ofta tid att döda de två fåglarna med en sten. De genrespecifikationer som nämnts tidigare förbises oftast när man möter funktionen, men med tanke på hur väl spelarna engagerar sig i Coen-brödernas material kan man förlåtas för att bara titta på för en handfull ögonblicks skull.
Många personligheter förknippade med filmer på den här listan kan påverkas genom deras olika former av svalhet, de typer av coola som faller i linje med traditionella skildringar av maskulinitet. Det kan bara vara en suck, men killen (Jeff Bridges) är inte den typ som är väldigt bekymrad över hur han presenterar sig. Han är bara killen, och det är ungefär lika komplicerat som han behöver vara. Coens åtar sig dock behagligt att kasta honom mitt i en glatt förbryllande berättelse om absurdistisk fiktion.
4 Vertigo (1958)
Alfred Hitchcock har en mängd berömda filmer knutna till hans namn, men Vertigo är utan tvekan en av hans största. Filmen börjar med ett slagfullt slag när Scottie Ferguson (James Stewart) tittar på när en polis blir till sin död och försöker rädda honom från att hänga på en avsats, och även om filmen blir mer psykologisk från detta ögonblick framåt, så tappar sitt slag. Med Hitchcocks förkärlek för oväntade vändningar och bedrägliga karaktärer förblir berättelsen lika snäv som någon av hans skottkompositioner.
Hitchcocks film är ett exempel på mysteriet eller utredningen som spelar sekundärt till förhållandena mellan två karaktärer, och vad som är lika fascinerande som berättelsen Hitchcock snurrar är teorierna om dess teman. Många har hävdat att, implicit, eller kanske uttryckligen, talar Vertigo till manlig kontroll av det visuella när det gäller kvinnlighet och manlighet och därmed ifrågasätter de dominerande manliga uppfattningarna av båda. I så fall är Vertigo en progressiv film för sin tid.
3 Seven (1995)
David Fincher är en av de regissörer vars arbete är medvetet förväntat och oändligt hyped, och efter den ökända Alien 3 meddelade han verkligen sin närvaro i branschen med Seven, ett ökänt mordmysterium om dödade baserat på de sju dödliga synderna. Det finns mycket om Finchers film som ska firas; till exempel, hans grusiga, kompromisslösa syn på brott och en briljant störande användning av idén att det mest skrämmande inte är vad du ser, utan det du föreställer dig. För att inte nämna ett tungt träffande slut som dränerats för någon ounce av hopp.
Beröm skickas ofta i riktning mot sina två leder, Morgan Freeman och Brad Pitt, på individuell basis, men kanske inte så mycket sägs om deras partnerskap på skärmen. Genom en övertygande, målmedveten brist på kemi mellan de två som karaktärer kan man lätt identifiera kemi mellan de två som skådespelare. Även om vi följer och spärrar på detektiv Somerset (Freeman) för hans studiösa och tyst auktoritativa sätt, blir den något psykologiska utforskningen av Mills (Pitt) sin egen sidovägledning, vilket ger mycket av effekten som slutet har.
2 The Silence of the Lambs (1991)
Jonathan Demme's The Silence of the Lambs är ett ganska unikt fall här. Å ena sidan är det en bona fide-detektivhistoria när FBI-praktikanten Clarice Starling (Jodie Foster) jaktar på en upprörd seriemördare som kallas Buffalo Bill (Ted Levine). Å andra sidan handlar den här filmen lika mycket om Starlings förhållande till Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) och de många psykologiska spelen av dominans som han spelar med henne när han samarbetar med hennes fall. På många sätt känns Starlings strävan efter Buffalo Bill sekundär, ungefär som James Stewarts mysterium i Vertigo.
Och ändå förblir manuset helt fokuserat, till och med så mycket tid som ges till Hannibals flykt från inneslutning. Själva utredningen känner sig sekundär till allt annat, men vi behandlas fortfarande mot Bill och all hans störande galenskap, inklusive några konstigt citerbara linjer (oroa dig inte, Lecter har också sin rättvisa andel). Dessutom är vi lika infångade i jakten på grund av dess två motstridiga personligheter; jämfört med Levines lösa kanon Buffalo Bill, är Hopkins Lecter mer förfinad, om den ibland improviseras.
