Inside Out är den nyaste spelfilmen som släppts av Pixar Animation Studios, ett företag som nu har gjort datoranimerade filmer i tjugo år. Studionens teatraliska utgivningar har omfattat ganska den eklektiska samlingen av huvudpersoner hittills, vare sig det är gammaldags leksaker, garderobsmonster, medelålders superhjältar, futuristiska robotar, eller till och med en vanlig elvaårig flicka (för Inside Outs huvudperson, Riley).
Men precis som Disney Animation Studios har vissa sagor som de återupptas om och om igen, finns det verkligen beprövade element som hittades i alla Pixars filmer hittills, inte minst som "Vad om [saken] hade känslor ?" (mänskliga-liknande känslor, det vill säga) premiss som har fungerat som grund för en rättvis bit av företagets projekt.
Det finns naturligtvis undantag från denna regel (The Incredibles and Brave), men till och med några av dem handlar om relaterade idéer (kragen som avslöjar hundarnas tankar i Up). Det är intressant att notera hur den "Pixar-formeln" har utvecklats och förändrats från film till film, i enlighet med berättelsen som berättas - och kulminerade hittills med Inside Out, en film som ställer frågan: "Vad händer om känslor har känslor?" För att sammanfalla med Inside Outs debut i teatrar, kommer vi att titta tillbaka och undersöka de olika psykologierna och känslorna hos icke-mänskliga Pixar-filmkaraktärer under studionens historia.
-
9 The Toy Story Movies (1995, 1999 och 2010)
Berättelser om livlösa leksaker som livnär sig har funnits sedan länge innan världen presenterade Woody, Buzz Lightyear och deras plastkamrater, men Toy Story (och dess uppföljare) kan ge en uppfinningsrik variation på konceptet. Filmens leksaker är varken helt barnsliga när det gäller deras känslomässiga mognad och syn (a la Pinocchio), och de är inte heller vuxna i sina tankar och personligheter heller. Istället faller franchisefigurerna någonstans i mitten, psykologiskt sett; kunna förstå svåra problem som deras egna disponibilitet (läs: dödlighet), men samtidigt utsatt för känslomässiga impulser mer på barntänkande än vuxen logik.
Det som gör Toy Story-franchisen så bra (och relatabel för filmgäster i alla åldrar) är att karaktärernas beteende i slutändan är förankrat i oro som leksaker logiskt skulle ha - att "ersättas" i ägarens hjärta av en blankare ny leksak (syskon rivalitet), kastas ut för att de är gamla och förfallna (åldrande bekymmer), och så vidare. Dessa problem talar naturligtvis till barn och vuxna på olika sätt, och det gör att Toy Story-filmerna kan fortsätta resonera med människor i alla åldrar, även år efter att de har sett dem för första gången. Detta gör det också ganska bittersöt ögonblick, när leksakernas ägare sedan länge lämnar sina gamla vänner (och, symboliskt, hans barndom) bakom, att bli älskade av en annan. Det antar att du läsaren själv har känslor.
8 A Bug's Life (1998)
A Bugs Life, när du tänker på det, handlar om lite tungt ämne (klassbaserad social ojämlikhet, naturens hierarkiska tendenser, etc.), med tanke på att det är en familjevänlig film där ett av de skämt som är igång är att alla tänker Den Denis Leary-uttryckte nyckelpiga är en kvinna. Icke desto mindre erbjuder denna berättelse om udda cirkusfelar som samarbetar med en myrkoloni för att bekämpa ett gäng meniga gräshoppor en ganska insiktsfull titt på några intrikata begrepp - till exempel, hur att vara (i väsentligt) förslavad kan forma en grupps psykologi till punkten där deras medlemmar aldrig ifrågasätter (även när de är ensamma) om deras mästares argument att skillnaden i att stå mellan dem är "En av dessa slags" Circle of Life "-saker" (som Kevin Spaceys Hopper uttrycker det).
Jämfört med A Bug's Life är den ursprungliga Toy Story (utan tvekan) mer innovativ när det gäller exekvering av koncept; I förekommande fall släpptes DreamWorks 'Antz samma år som A Bug's Life (1998, för att vara exakt) och kanske kanske djupare djupare in i den psykologiska synen på dess insektkaraktärer, samtidigt som man utforskar liknande berättelsetema. Oavsett är Pixars berättelse om Flik the Ant and his friends en fin bit animerad film - en som gör något intressant med idén om buggar som lider av många av samma oro (om deras arbete och / eller deras plats i det stora planen saker) som många människor gör.
7 Monsters, Inc. (2001) / Monsters University (2013)
Familjevänliga filmer om förekomsten av hemliga världar som är befolkade av monster fanns runt långt innan Pixar introducerade filmgäster till James P. Sullivan och Mike Wazowski (se Little Monsters, släppt tillbaka 1989), men Monster, Inc. tar verkligen begreppet en monster samhälle som drivs av barns skrik i en kreativ och unik riktning. Men eftersom Monsters universum inte nödvändigtvis fungerar så annorlunda än den mänskliga världen (dess medborgare växer upp, har jobb och fortsätter sina liv ungefär som vanliga människor gör) fungerar karaktärerna i Monsters, Inc. och dess prequel Monsters Universitetet har personligheter och beteendemässiga egenskaper som en person i liknande ålder skulle göra.
Karaktärer i Monsters-franchisen kanske inte är lika intressanta att psykoanalysera som de i Toy Story-filmerna (av den anledningen), men på samma gång tillåter det dessa filmer att utforska frågor som är mer omedelbart relatabla. Till exempel, medan en karaktär som Woody ofta hamnar i situationer där han måste hantera mer generaliserade existentiella frågor, "Sully" och Mike kämpar med att uppnå sina karriärambitioner, undersöka moralens arbete, komma i kontakt med sina föräldrainstinkter, och så vidare. Slutresultatet: Monsters-filmerna är olika, men på många sätt lika tankeväckande som andra Pixar-filmer när det gäller att ha känslomässigt mångfacetterade karaktärer.
6 Finding Nemo (2003)
Att hitta Nemo, liknande Pixars Monsters-filmer, adresserar ett antal lättillgängliga (men samtidigt komplicerade) känslomässiga dilemma, om än grundligt linsen i en berättelse om fisk, havssköldpaddor och andra olika varelser som bor i havet. Marlins omedelbara försök att rädda och skydda sin son Nemo (liksom hans interna kamp för att acceptera att Nemo växer upp) är den typ som alla föräldrar kan relatera till, liksom Nemos ungdomliga önskan att pressa sina gränser och utöka sin typiska horisont av ditt genomsnittliga mänskliga barn (detsamma gäller Dorys behov av viss känslomässig / familjär stabilitet så att hon bättre kan hantera sitt mentala tillstånd).
Men samtidigt är filmens vattenmiljö mer i linje med pre-Monsters, Inc. Pixar-filmunivers, i termer av hur lite den strukturellt liknar mänskligt samhälle. Så i den meningen markerar Finding Nemo en viktig utvecklingspunkt för Pixar, med avseende på hur den utvecklade studionens "formel" i det skedet; blandning av mycket relatabla känslomässiga problem (och psykologiska svar bildar karaktärerna), men inom ramen för en mycket annan värld. Det kommer att vara intressant att se hur den kommande uppföljaren Finding Dory spelar ut och avviker (eller inte) från den metoden, allt som beaktas.
5 Cars (2006) / Cars 2 (2011)
Cars-filmerna har verkligen sina anhängare, men de är också i allmänhet utpekade som Pixars svagaste filmutbud hittills. Det kan delvis bero på att karaktärerna i Cars-franchisen är de minst uppfinningsrika när det gäller deras psykologi, jämfört med andra Pixar-skapelser. Medan leksakerna i Toy Story har ett mycket unikt tankesätt (igen, någonstans mellan barnliknande och vuxen), till exempel, tar denna serie ett rakt framåt och mindre uppfinningsrikt sätt att antropomorfisera dess fordonsfigurer. Som sådan är Mater i princip en bogserbil som fungerar som Larry the Cable Guy (i en barnfilm), Doc Hudson är i huvudsak Paul Newmans personliga skärm i form av en Hudson Hornet från 1951, och så vidare.
Det betyder inte att karaktärer som Cars-huvudpersonen Lightning McQueen saknar känslomässigt djup och / eller kämpar med frågor som inte är allmänt tillgängliga. Cars-filmerna kämpar helt enkelt inte med de komplexa psykologiska frågor som andra Pixar-filmer brukar införa via sina respektive universum. Uppsidan är att det känslomässiga hinder och problem som bilarna i franchisebilarna står inför kanske är det enklaste för medlemmar i juicelådemängden (filmernas måldemografiska) att förhålla sig till; när de blir äldre kan dessa filmer dock bli mindre intressanta för dem än andra Pixar-titlar av den anledningen.
4 Ratatouille (2007)
Flera Pixar-filmer har presenterat både mänskliga karaktärer och icke-mänskliga huvudpersoner, även om Ratatouille är ovanligt eftersom det kommer mycket närmare att ägna jämn tid åt att utforska psykologier och tänkande processer för båda karaktärstyperna (här, människor och råttor) med dess berättelse. Råttesamhället i filmen liknar insektsvärlden i A Bugs liv; huvudpersonen Remy är lite som Flik också, genom att båda karaktärerna är närmare mänskliga personligheter som fångas i icke-människors kroppar, medan deras kamrater har en definitivt annorlunda emotionell syn. Båda huvudpersonerna har också liknande kreativa drivningar, fantasi och önskemål att bryta konvention som faller mer på den vuxna (om något naiva) skalan av emotionell komplexitet.
Ratatouille går emellertid längre än A Bugs liv, genom att det använder råttsamhället som en spegel för den mänskliga världen (och vice versa). Människor har generellt varit närvarande (om bara som delar av bakgrunden) i de flesta Pixar-filmunivers sparar för bilar, men i Ratatouille finns det flera människor som besitter utflödade personligheter och drömmar / önskningar, parallellt med dem för de olika råttfigurerna. Kombinerat med vissa andra aspekter (som sekvenserna där Remy interagerar med sin tänkta version av Gusteau) höjer detta filmen långt ovanför att det är en enkel variation på beprövade Pixar tropes.
3 WALL-E (2008)
Robot kärlekshistoria efter miljö kollaps WALL-E innehåller en handfull referenser till verk av Stanley Kubrick (specifikt 2001: A Space Odyssey), medan filmen på många sätt nästan känns som en Kubrick sci-fi-vision väckt liv av de mer humanistiska berättarna på Pixar. Som sådan är robotarna från WALL-E till stor del rudimentära och grundade i deras känslomässiga önskemål och uttrycksfullhet, men det finns dock en komplexitet för antropomorfiserade maskiner som WALL-E och EVE som påminner om Toy Story-karaktärerna (läs: de är någonstans mellan vuxna och barnliknande i personlighet). På liknande sätt drivs robotarna från WALL-E mycket av samma grundläggande men ändå meningsfulla önskan som Woody och företag: behovet (eller vill) för kärlek.
De mänskliga spelarna i WALL-E spelar inte riktigt in förrän den andra halvan av filmen, och är därför inte genomsyrade av den känslomässiga komplexiteten som människorna i Ratatouille hade (eller de i mer mänskliga orienterade Pixar-filmer, som The Incredibles and Up). Men den mänskliga berättelsetråden från WALL-E kretsar kring idén om att människor i framtiden återvinner sin mänsklighet, vilket tillåter icke-robotspelare i berättelsen att genomgå sina egna känslomässiga resor - och visar således att i en värld där robotar kan ha känslor, det finns alltid hopp för deras mänskliga uppfinnare också.
2 Slutsats
Frågan om "Vad om [sak] hade känslor?" är en Pixar har utforskat många gånger under loppet av de två decennierna sedan det började göra animerade filmfilmer med längd. Studionens ursprungliga berättelser om icke-människor som kan tänka (och i synnerhet känna) har gett värdefull insikt i allt från det grundläggande känslomässiga behovet av kärlek (Toy Story-filmerna) till vad det ens betyder att ha känslor och känslor i första hand (WALL-E).
Inside Out fortsätter att utforska det förutsättningen på nya och spännande sätt, och 2015: s andra Pixar-utgåva (The Good Dinosaur) skulle kunna hantera lika mycket med sin egen variation på samma koncept (som borde framtida Pixar-erbjudanden). Oroa dig dock inte, det kommer alltid att finnas plats för oss dumma människor på bilden också.
